2007.02.22 Thu
詩的な感覚とコンセプチュアルな想像力
二〇〇六年 十二月。
揺らぐ近代 日本画と洋画のはざまに 東京国立近代美術館
日本画と洋画との関係から、日本の近代美術を見直そうという企画だ。
幕末から明治初期にかけてはさまざまな試行錯誤があって、日本画と洋画というはっきりとした区分けがあったわけではない。屏風や掛け軸に油絵が描いてあったり、油絵なんだけど構図や題材は浮世絵そのものだったりする。逆に膠彩で西洋的な構図や遠近法や写実的な表現に挑戦している絵もあった。
それが明治四十年に始まった文展で日本画、洋画、彫刻という区分で作品の募集が行われた事で、制度的に日本画、洋画という区分が固定化した。
始めは技法に関する試行錯誤だった。というか、当時は日本人の生活の激変期であり、彭城貞徳の少年と少女がバイオリンと尺八を合奏している「和洋合奏之図（明治三十九年頃）」などを見ると、美術はその表れであると同時にその記録に見えた。過ぎ去った江戸への郷愁を感じさせる絵もあった。
大正の頃になると段々こなれてきて、自分が何を表現したいのか、そのためにどのような技法を使うのか考えるようになるように見えた。
大正期の日本画はクリアで鮮やかに見えて好きだと思った。特に速水御舟の金地に赤い果実が描かれた「茶碗と果実（大正十年）」と、小林古径の黒い器とリンゴが描かれた「静物（大正十一年）」が好かった。
洋画家の日本画も展示してある。岸田劉生の細かい描き込みによるごつごつした質感の油絵も好きだが、「四季の果実図（大正十三年）」や「永日小閑（大正十五年）」といった日本画も明るく鮮やかで好いと思った。萬鉄五郎の「春夏秋冬図（大正十一年頃）」も素朴で明るい感じで好かった。
今まで、西洋文明を受け入れる中でのあからさまな葛藤を示す洋画に比べて、日本画というのは東洋的な伝統の中で呑気にやってきたのだと思っていた。しかし、この企画展を見て、日本画にも洋画を意識しつつのさまざまな試行錯誤があった事を知った。
後、企画の文脈とは関係ないが、荒木寛畝の「狸（制作年不詳）」の茶色く暗い画面の中の狸の毛並みの質感が印象に残った。それと梅原龍三郎の「城山（昭和十二年）」の日本画の影響を受けて岩絵具を混ぜたという油彩のざらざら、キラキラした質感が好かった。
臨界をめぐる6つの試論
北野謙の「our face」のシリーズ。
背景も服装もぼやけていて、顔の表情だけはっきりしている。「東京のキャバクラ嬢29人を重ねた肖像（2002）」と「新潟アルビレックスチアリーダーズのチアリーダー17人を重ねた肖像（2003）」の顔がよく似ていて、最初同一人物かと思った。しかし、パンフレットの説明を見ると、「さまざまな集団に属する人々のポートレイトを撮影し、それらを正確に重ね合わせて焼き付けられた」ものだという事だ。
「プロ野球福岡ダイエーホークスを応援する人々35人を重ねた肖像（2004）」と「ロックバンドPIERROTライブのオーディエンス45人を重ねた肖像（2004）」も似ていたが、ダイエーホークスを応援する人々の笑顔は底抜けに明るいが、RIERROTのオーディエンスの笑顔はどこか物憂い感じがした。
写真というのは、単純にそこに写ったイメージの質感を楽しむものだと思っていた。
「海と陸の際を撮影していくうちに、興味が海そのもの移り、ついに被写体である海の中に入っていった」という浅田暢夫の「海のある場所（1997−2005）」シリーズはうねる海面やその上で跳ねる雨滴や押し寄せる波の質感をイメージできる。そして、パリの郊外を撮影した小野規の「周縁からのフィールドワーク」はパリ郊外の雰囲気を想像しやすい。
しかし、世界各地の街中の監視カメラを写した伊奈英次の「WATCH」は、「「見る／見られる」ことをめぐるシステム」がどうこう言われてもピンと来ない。
身近な風景や部屋の写真にさまざまな色のラインが横に引いてある。その横にその写真とラインの関係を反転した、つまり、そのラインの色の地に横に長く圧縮された写真がラインのように入っているイメージがある。向後兼一の「within 10km of mine（2006）」シリーズの「line」は、デザイン的には美しいが「画像の操作によって変換されたそれらのイメージは、デジタルデータのあふれる環境を生きる私たちにとって、たしかに決して奇妙とは言い切れない、世界の見え方なのかもしれません」と言われても、そうかなぁという感じだ。（後で作者のサイトを見たら、作品が載せてあった。パソコンの画面の上で見た方がリアリティがある気がした）
だが、これらの作品を見て、以前はそういうコンセプチュアルな作品を見ると、作者の世界の見方を共有しようと必死で自らの想像力をフル回転させようとした事を思い出した。
最近の私は、芸術の本質は詩的な感覚だと思うようになっていた。詩的な感覚というのは、コンセプチュアルに思考をこねくり回すのとは違う。だから、写真も単純にそのイメージと質感を楽しもうとした。しかし、芸術には我々の日常の常識を、コンセプチュアルな形で揺さぶろうとする側面も明らかにある。
詩的な感覚を表面的だとは言わないが、最近の私は作品の表面に表れたイメージや質感にばかりこだわり、いつしか作品の表面をなぞるようにパッパッとしか見なくなっていた。
詩的な感覚とコンセプチュアルな想像力との関係について、考えてみようと思った。
この前出掛けたときは全てが新鮮に見えたのに、この日は時間がたつにしたがって疲れるばかりだった。
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揺らぐ近代 日本画と洋画のはざまに 東京国立近代美術館
日本画と洋画との関係から、日本の近代美術を見直そうという企画だ。
幕末から明治初期にかけてはさまざまな試行錯誤があって、日本画と洋画というはっきりとした区分けがあったわけではない。屏風や掛け軸に油絵が描いてあったり、油絵なんだけど構図や題材は浮世絵そのものだったりする。逆に膠彩で西洋的な構図や遠近法や写実的な表現に挑戦している絵もあった。
それが明治四十年に始まった文展で日本画、洋画、彫刻という区分で作品の募集が行われた事で、制度的に日本画、洋画という区分が固定化した。
始めは技法に関する試行錯誤だった。というか、当時は日本人の生活の激変期であり、彭城貞徳の少年と少女がバイオリンと尺八を合奏している「和洋合奏之図（明治三十九年頃）」などを見ると、美術はその表れであると同時にその記録に見えた。過ぎ去った江戸への郷愁を感じさせる絵もあった。
大正の頃になると段々こなれてきて、自分が何を表現したいのか、そのためにどのような技法を使うのか考えるようになるように見えた。
大正期の日本画はクリアで鮮やかに見えて好きだと思った。特に速水御舟の金地に赤い果実が描かれた「茶碗と果実（大正十年）」と、小林古径の黒い器とリンゴが描かれた「静物（大正十一年）」が好かった。
洋画家の日本画も展示してある。岸田劉生の細かい描き込みによるごつごつした質感の油絵も好きだが、「四季の果実図（大正十三年）」や「永日小閑（大正十五年）」といった日本画も明るく鮮やかで好いと思った。萬鉄五郎の「春夏秋冬図（大正十一年頃）」も素朴で明るい感じで好かった。
今まで、西洋文明を受け入れる中でのあからさまな葛藤を示す洋画に比べて、日本画というのは東洋的な伝統の中で呑気にやってきたのだと思っていた。しかし、この企画展を見て、日本画にも洋画を意識しつつのさまざまな試行錯誤があった事を知った。
後、企画の文脈とは関係ないが、荒木寛畝の「狸（制作年不詳）」の茶色く暗い画面の中の狸の毛並みの質感が印象に残った。それと梅原龍三郎の「城山（昭和十二年）」の日本画の影響を受けて岩絵具を混ぜたという油彩のざらざら、キラキラした質感が好かった。
臨界をめぐる6つの試論
北野謙の「our face」のシリーズ。
背景も服装もぼやけていて、顔の表情だけはっきりしている。「東京のキャバクラ嬢29人を重ねた肖像（2002）」と「新潟アルビレックスチアリーダーズのチアリーダー17人を重ねた肖像（2003）」の顔がよく似ていて、最初同一人物かと思った。しかし、パンフレットの説明を見ると、「さまざまな集団に属する人々のポートレイトを撮影し、それらを正確に重ね合わせて焼き付けられた」ものだという事だ。
「プロ野球福岡ダイエーホークスを応援する人々35人を重ねた肖像（2004）」と「ロックバンドPIERROTライブのオーディエンス45人を重ねた肖像（2004）」も似ていたが、ダイエーホークスを応援する人々の笑顔は底抜けに明るいが、RIERROTのオーディエンスの笑顔はどこか物憂い感じがした。
写真というのは、単純にそこに写ったイメージの質感を楽しむものだと思っていた。
「海と陸の際を撮影していくうちに、興味が海そのもの移り、ついに被写体である海の中に入っていった」という浅田暢夫の「海のある場所（1997−2005）」シリーズはうねる海面やその上で跳ねる雨滴や押し寄せる波の質感をイメージできる。そして、パリの郊外を撮影した小野規の「周縁からのフィールドワーク」はパリ郊外の雰囲気を想像しやすい。
しかし、世界各地の街中の監視カメラを写した伊奈英次の「WATCH」は、「「見る／見られる」ことをめぐるシステム」がどうこう言われてもピンと来ない。
身近な風景や部屋の写真にさまざまな色のラインが横に引いてある。その横にその写真とラインの関係を反転した、つまり、そのラインの色の地に横に長く圧縮された写真がラインのように入っているイメージがある。向後兼一の「within 10km of mine（2006）」シリーズの「line」は、デザイン的には美しいが「画像の操作によって変換されたそれらのイメージは、デジタルデータのあふれる環境を生きる私たちにとって、たしかに決して奇妙とは言い切れない、世界の見え方なのかもしれません」と言われても、そうかなぁという感じだ。（後で作者のサイトを見たら、作品が載せてあった。パソコンの画面の上で見た方がリアリティがある気がした）
だが、これらの作品を見て、以前はそういうコンセプチュアルな作品を見ると、作者の世界の見方を共有しようと必死で自らの想像力をフル回転させようとした事を思い出した。
最近の私は、芸術の本質は詩的な感覚だと思うようになっていた。詩的な感覚というのは、コンセプチュアルに思考をこねくり回すのとは違う。だから、写真も単純にそのイメージと質感を楽しもうとした。しかし、芸術には我々の日常の常識を、コンセプチュアルな形で揺さぶろうとする側面も明らかにある。
詩的な感覚を表面的だとは言わないが、最近の私は作品の表面に表れたイメージや質感にばかりこだわり、いつしか作品の表面をなぞるようにパッパッとしか見なくなっていた。
詩的な感覚とコンセプチュアルな想像力との関係について、考えてみようと思った。
この前出掛けたときは全てが新鮮に見えたのに、この日は時間がたつにしたがって疲れるばかりだった。
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